'Schoeps MK4' 마이크를 사랑한 피아니스트 엘다 장기로프 (엘다 트리오 둘째날 공연)

☞ 엘다 장기로프 재즈 트리오, 어제 공연

둘째날 리허설… 어라?

북치고 앉아 있는 엘다. ^^

피아노 치는 드러머 페렌츠 네메스.
사실은 자기 악기 소리를 객석에서 들어보느라 이러고 있습니다.

이랬던 아르만도가…

나님도 피아노 치는 남자임.

그런데 이 사람들, 리허설 좀 하다가 객석에서 소리를 들어 보더니, 어제와는 다른 욕심을 부리기 시작합니다. 뭘 해달라 뭘 해달라 하더니, 결국 피아노 쪽 마이크를 바꿔 달라고. ^^

어제 썼던 피아노 마이크는 라발리에(Lavalier) 마이크, 일명 '핀 마이크'였고, 아마도 무지향성(Omnidirectional) 마이크였을 겁니다. 엘다 장기로프가 지향성(Cardioid) 마이크 없냐고 하다가, 드럼 쪽에 있던 마이크를 보더니 눈이 번쩍!

"저거요! 나도 숍스(Schoeps) 마이크 달아 줘요!"

유명한 마이크 브랜드 이름입니다. '쇱스'가 표준 외래어표기법에 맞을 텐데, 인터넷 검색해 보니 업계에서 '숍스'로 통하는 모양이네요.

두 사람 머리 쪽에 하나씩 있는 게 Schoeps MK4 마이크.
엘다가 이 마이크를 참 좋아한다네요. 이번에 음반 녹음하면서도 이걸 썼다고.

지향성 마이크란 특정 방향에서 오는 소리를 집중적으로 잡아내고, 다른 쪽에서 오는 소리는 적극적으로 차단해 버리는 특성을 보이는 마이크를 말합니다. 이 사람들이 무대 세팅 등 기술적인 정보를 미리 줬더라면 음향감독님이 당연히 처음부터 지향성 마이크를 썼을 겁니다. 왜 그런지 설명하면 여러분이 머리를 쥐어뜯을까 봐 대략 생략.

첫날 공연 때 썼던 마이크는 아마도 피아노 소리를 가장 자연스럽게 잡아내는 마이크였을 겁니다. 그런데 엘다가 리버브(reverb) 효과를 걸어달라고 하더라고요. 잘은 몰라도 마이크 특성이 그런 쪽에 가장 잘 어울리지는 않았을 거예요. 그래서였는지, 첫날 공연 때 특히 여린 소리가 살짝 어색하다고 느꼈거든요. 음향감독님이 투덜거리면서 하시는 말씀이, 숍스 마이크로 바꿀까 생각했다가 어제 세팅을 다 해놔서 그냥 놔뒀더니 결국 막판에 바꾸게 됐다고. 그에 따르는 설정을 다 새로 하느라 이번에도 저녁을 못 드신…^^

마이크를 바꾸고 나니 피아노 음색이 극적으로 달라졌습니다. 더 직선적이고, 더 매끈하고, 더 반짝이고, 더 탱글탱글했습니다. 첫날 공연 때 피아노 소리와 견주면 더 '디지털스러운' 소리가 됐다고 할까요. 자연스러운 느낌은 많이 죽어버렸지만, 리버브 잔뜩 걸린 소리와는 기막히게 잘 어울렸습니다.

무엇보다 여린 음에서 숨 막히게 아름다운 소리가 났습니다. 그래서였는지, 엘다는 둘째날 공연 때 이른바 소토 보체(sotto voce)를 훨씬 자주 사용했습니다. 한 가지 아쉬웠던 것은, 첫날 공연 때 기계로 만들어낸 듯한 '에코' 효과를 엘다가 손가락만으로 만들어내는 걸 보고 혀를 내둘렀는데, 둘째 날은 첫날만큼 완벽하지는 않았습니다. 엘다가 잘못 연주했을 수도 있겠지만, 숍스 마이크가 만들어내는 소리에 부드러운 맛은 좀 없었던 탓도 있지 않았을까 싶었습니다.

굳이 덧붙이자면, 제가 무대음향 쪽으로 제대로 된 지식과 경험이 있지는 않아서 이거 다 헛소리일지도 모릅니다. 음향감독님이 이거 보시면 코웃음 치실지도. ^^;

엘다가 들고 있는 그림은 통영국제음악당 레스토랑 ☞ '뜨라토리아 델 아르테'에서 일하는 이슬 씨가 그렸다고 합니다.

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엘다 장기로프 재즈 트리오, 어제 공연

©Tongyeong International Music Foundation

"63Hz에서 70Hz 사이를 3㏈ 낮춰 주세요."

엘다 장기로프는 기술적인 요구사항을 이렇게 구체적으로 말했습니다. 심지어 피아노 키 88개 각각이 만들어내는 물리적인 주파수 대역을 모두 기억하는 듯하더군요.

물론, 엘다는 어디까지나 음악가이지 음향 엔지니어는 아닙니다. 통영국제음악당 음향감독님은 엘다가 요구하는 대로 몇 번 해주다가, 문제의 원인을 이해한 뒤로는 요구사항을 모두 무시하고 감독님 스타일로 싹 바꿔버렸는데, 엘다가 바로 그걸로 만족하더라고요.

엘다가 연주하는 피아노는 영상에서 보는 그대로였습니다. 빠르고 정확하고, 부드럽고 안정적이었습니다. 페렌츠 네메스가 아찔한 빠르기로 연주하는 드럼 소리와 어찌 그리 정교하게 맞물려 돌아가는지!

▲ 페렌츠 네메스 ©Tongyeong International Music Foundation

▲ 엘다 장기로프, 리허설 때 드럼도 연주합니다. 실력이 수준급!
©Tongyeong International Music Foundation

그리고 공연 때 어눌한 한국어로 인사할 때까지는 그런가 보다 했는데, 중간에 빵터지는 한 마디.

"씨디레 판매합네다."

엘다 동무, 북에서 오셨시요? 인민의 재즈를 보여주시라요!

CD도 좀 사시라요!

바로 아래 소개한 ☞ 엘다 장기로프 인터뷰를 읽어보신 분은 아시겠지만, 엘다의 공연은 창작의 중간과정이기도 합니다. 새로운 곡을 쓰고 나면 공연을 하면서 다듬어 나가다가 나중에서야 음반을 내는 식이지요.

그래서인지 엘다는 공연 전에 사전 정보를 거의 주지 않았습니다. 아무리 재즈가 즉흥적인 음악이라도 그렇지, 이렇게 무계획적이어서는 안 된다며 조명감독님이 툴툴거리시더군요. 준비는 그냥 대충 해놓고 공연 때 즉흥적으로 해결하시라고 했더니, 장인정신에 관해 진지한 말씀을…^^

그랬는데, 어제 공연 때 조명은 사진으로는 1할밖에 표현이 안 될 만큼 환상적이었습니다.

©Tongyeong International Music Foundation

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재즈 피아니스트 엘다 장기로프 인터뷰

통영국제음악당 매거진 『Grand Wing』에 실린 글입니다.

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Q. 새 앨범 《Breakthrough》의 첫 곡 "Point of View Redux"는 피아니스트 엘다 장기로프의 역량을 압축적으로 보여줍니다. 저음으로 으르렁거리는 반복음형부터 오른손으로 마구 쏟아내는 선율까지, 악기에서 참 다채로운 소리를 뽑아내시는데요.

A. 예. 중요하면서도 주목을 덜 받는 게 한 가지 있는데, '프레이징'입니다. 다이내믹스와 시간과 터치를 조절하는 능력이 선명하고 훌륭한 소리를 만들어 내지요. 저는 피아노를 칠 때 고르게 이어지는 소리를 내려고 많이 노력해요. 제 연주를 들어보면 그런 게 느껴질 거라 생각하고요. 그러니까 음악은 표현이 내용만큼이나 중요합니다. 같은 곡을 악보에 옮겨서 다른 연주자에게 주면, 그 연주자가 프레이징을 다르게 해서 소리가 달라질 수밖에 없어요.

Q. "Point of View Redux"는 사실 이전 앨범에 수록한 곡을 재창작한 것인데요. 어떤 식으로 재창조 작업을 하셨나요?

A. 이 곡은 2005년에 발매한 앨범 《Eldar》에서 따온 것으로 위대한 색소폰 연주자 마이클 브레커를 위한 곡이었지요. 그분과 함께 작업했던 게 저에게 너무나 큰 경험이었기 때문에, 그분이 돌아가셨을 때 뭔가 추모할 만한 곡을 쓰고 싶었어요. 그래서 이 곡을 새로 써보기로 했고요. 원곡에서 극적인 요소를 따와서 재창조 작업을 거친 게 바로 이거예요. 음악적으로 발전된 곳도 있지만, 인간적인 부분도 있어요. 마이클 브레커 추모곡이니까요.

Q. 전에 《Virtue》라는 앨범을 녹음했을 때 하신 말씀이, 다른 음악가들과 달리 새 앨범을 내고 그걸로 공연하러 다니는 게 아니라, 새 곡을 쓰면 그걸 녹음하기 전에 공연부터 다닌다고요. 이번에도 《Breakthrough》 앨범을 내면서 그렇게 하셨나요?

A. 예. 공연부터 하고 나서 녹음한 게 90%쯤 됩니다. 새 곡을 쓰면 우리 공연 프로그램에 넣고, 거기서부터 프로젝트가 커가지요. 저는 스튜디오에서 곡을 쓰는 걸 안 좋아합니다. 그건 낭비거든요! 준비는 집에서 하고, 스튜디오에 가면 연주만 해요. 보통 스튜디오에서 녹음을 한 번 하면, 그걸 곧바로 들어요. 그래서 좋으면 그걸로 가는 것이고, 아니면 다시 녹음하는 거죠.

Q. 새 앨범 제목 《Breakthrough》(혁신)에 어떤 의미가 있나요?

A. 이건 색소폰 연주자 크리스 포터가 참여한 곡 제목이기도 하지만, 음악가라면 늘 어떤 경지에 오르려고 노력하잖아요. 저는 모든 것을 실험으로 시작합니다. 자동항법장치로 항해하는 것처럼 이미 배운 것들로만 연주하기는 쉽죠. 하지만 저는 새로운 것을 잘 배우고 싶어요. 그래서 이 프로젝트를 위해서 새로운 것을 꼼꼼하게 배우는 데 많은 시간을 투자했습니다.

Q. 어떤 것을 배웠나요?

A. 작곡도 많이 했고, 또 클래식 음악에서 많은 것을 배워서 바흐, 브람스, 프로코피예프 피아노 독주곡 음반도 냈지요. 언제나 느끼지만, 걸작을 익히면 훌륭한 선율과 화성 전개가 어떤 것인지 알 수 있습니다. 걸작에는 어떤 '논리'같은 게 있는데, 이를테면 선율의 논리는 주제를 구축하고 클라이맥스로 확장해 나가는 데 있어요. 또 화음이 어떤 식으로 해결되면 사람의 감정을 건드리게 되고요. 이런 장치를 배우는 일은 음악적 어휘력을 높일 뿐 아니라, 다른 사람에게 감명을 주는 음악을 만들 수 있게 해줍니다.

Q. 새 앨범을 준비하면서 클래식 음악 말고 또 어떤 음악을 들었나요?

A. 다양하게 들었죠. 빌리 홀리데이를 자주 들으면서 프레이징을 어떻게 하는지를 매우 관심 있게 들었고요. 그래서 빌리 홀리데이가 불렀던 곡 중에서 "Good Morning Heartache"를 녹음하기도 했죠. 빌리 홀리데이가 부른 발라드가 특히 흥미로워서 음반에 실을 곡을 정할 때 많이 참고했어요. 또 재즈 명곡을 녹음하고 싶었는데, 너무 흔한 곡은 싫었거든요. 그래서 결국 어빙 벌린의 "What'll I Do"를 골랐습니다. 선율이 참 아름다워서 저한테 팍 꽂혔지요.

Q. 테크닉이 매우 뛰어난 연주자로 알려졌는데요, 그게 어떤 도움이 되나요?

A. 테크닉은 악기를 익히는 일에 시간을 쏟으면 기본으로 얻어지는 겁니다. 선율과 화성에 관해 이해하는 일도 마찬가지이고, 시간 감각과 음악적 아이디어를 물 흐르듯이 펼치는 능력도 그렇습니다. 저는 하농 같은 걸 반복 연습하면서 시간을 보낸 일이 전혀 없어요. 제 테크닉은 악기 앞에서 진지하게 '연주'를 하면서, 또 어려서부터 재즈 명곡부터 바흐까지, 또는 다양한 음계나 작곡을 배우면서 얻은 것이지요.

사람들이 곧잘 말하기를 "이 음악가는 테크닉이 뛰어나고, 이 음악가는 '독창성'이 있다"라고 하지요. 이건 순전히 편견이라고 생각해요. 저는 언제나 음악을 배우는 사람, 피아노를 배우는 사람, 악기를 연주하고 사람들과 소통하는 일을 진심으로 즐기는 사람입니다. 다른 사람이 제 음악을 즐기기를 바라는 만큼 저 자신도 음악을 즐기고 싶은 사람이에요. 음악을 향한 열정과 경의가 그걸 가능하게 합니다.

출처: 음악 전문지 『Keyboard』 2013년 6월호
존 레건(Jon Regen) 글 · 김원철 옮김

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